Exklusivt | Final Fantasy Tactics kompositör Hitoshi Sakimoto bekräftar "FFT är rock"

Från Wrocław till London

GMF startade 2018 i Wroclaw och har sedan dess flyttat till arenor som Royal Festival Hall och Fairfield Halls i London. Mat och Marta, hur såg den resan egentligen ut, och när visste ni att festivalen kunde fungera i den här skalan?

Vi ville möta vår publik halvvägs och komma närmare människor som brinner för spelmusik, så att förlägga festivalen till London var helt logiskt. Det finns en enorm bas av spelfans där, och det är mycket lättare för många att nå ut. Intresset från branschfolk ökade också, vilket gjorde att det kändes som ett naturligt och rätt steg att expandera till London.

Jag minns fortfarande när jag pratade med Gareth Coker (kompositören bakom Ori och andra hits) efter en av våra konserter i Wrocław. Vi kastade fram idén om att göra en Ori and the Blind Forest-konsert i London och han lyste upp av entusiasm. Tillsammans började vi arbeta på en ny Londonutgåva och inledde den med "The Symphony of the Spirits" med musik från Ori and the Will of the Wisps och Ori and the Blind Forest. Det var en verklig vändpunkt!

Trycket från Final Fantasy

Sakimoto, du firar 40 år som kompositör i år. När du skrev musiken till Final Fantasy Tactics 1997, kändes det då som musik som fortfarande skulle framföras live på scen nästan tre decennier senare?

När jag komponerade var jag helt uppslukad av arbetet och tänkte inte alls på framtiden. Men när spelet släpptes och jag såg den starka responsen tänkte jag: "Det var i alla fall inte en total miss." Det är en märklig sak. Självklart blir jag glad när folk uppskattar mitt arbete, men jag kan inte ta deras ord för vad de är, och det lämnar mig ofta med blandade känslor. Jag gjorde naturligtvis mitt bästa, men jag tror inte att jag någonsin trodde att det var något som helt skulle stå på egna ben som ett soundtrack.

Mat och Marta, GMF har nu varit värd för två officiellt Square Enix-licensierade Final Symphony-konserter, 2023 och 2024, med musik av Nobuo Uematsu och Masashi Hamauzu. Vad innebär det för en community som Final Fantasy Union, vars publik växte upp med den musiken, att föra in musiken i en konserthallsmiljö?

För Final Fantasy-communityn uppskattar många av dessa fans musiken djupt och känner en stark känslomässig koppling till spelen och musiken som ackompanjerade dem. Musiken fungerar som en bärare av dessa känslor. Den ger tillbaka känslorna från att spela spelet och de livsstunder som är knutna till det. För många är det otroligt värdefullt att höra musiken live i en konserthall med full orkester och i högsta kvalitet. Det låter dem helt och hållet uppslukas av musiken i stunden, utan några distraktioner.

"Liveframträdanden är rena känslor. Det är motsatsen till logik." - Hitoshi Sakimoto

Sakimoto, hur känns det egentligen att skriva musik till en Final Fantasy-titel? Finns det en press kopplad till arvet av det namnet, eller är det befriande?

Jag kände en hel del press, särskilt med Final Fantasy XII. Att delta som skapare i ett verk som jag personligen älskade var mycket svårt. För mig är det en grundläggande motsättning mellan att vara ett fan och att vara en skapare. I slutändan var det enda jag kunde göra att försöka glömma bort att jag var ett fan av serien och närma mig det som ett helt nytt verk och göra mitt bästa.

Du har tidigare talat om att du kände tyngden av Nobuo Uematsus arv när du komponerade för Final Fantasy XII, till den grad att du försökte skriva i hans stil innan du tog ett steg tillbaka. Vad lärde du dig om din egen röst i den processen?

Det kanske låter klyschigt, men jag blev påmind om att varje person uppfattar världen och producerar output genom sin egen "input device" och sitt eget sinne, och att detta skiljer sig helt från person till person. Även om jag spelar Final Fantasy-serien och lyssnar på Uematsus musik, så länge den passerar genom mitt eget filter, kommer tillvägagångssättet oundvikligen att vara annorlunda. Till en början hade jag svårt att acceptera det, men så småningom slutade jag tänka på det. Det är uppenbart så här i efterhand, men jag antar att jag behövde den tiden då.

Ljudet av Ivalice

Final Fantasy Tactics och Final Fantasy XII skiljer sig mycket från varandra tonmässigt. Det ena är jordat och nästan militaristiskt, det andra är svepande och storslaget. Hur närmar man sig två spel i samma serie som kräver så olika känslomässiga världar?

Som du sa, musikaliskt settfFT fokuserar på den känslomässiga balansen hos människor i krigstid, medan FFXII presenterar hela världen som levande och full av hopp. Detta återspeglar den typ av eftersmak som Mr Matsuno ville ha för varje verk. Konkret försökte jag med FFT förmedla känslan av att söka efter sin egen känsla av rättvisa i en förtryckande värld. Med FFXII betonade jag starka färgkontraster och arbetade för att behålla den tonen även i de tyngre mitten- och senare avsnitten.

Ivalice, den värld som delas av Final Fantasy Tactics och Final Fantasy XII, har ett mycket specifikt sound. Du har beskrivit det som rent orkestralt eftersom det är så fantasy ska låta. Har din definition av hur fantasy låter förändrats under de år som gått sedan dess?

Jag är inte säker på om "ren orkester" är rätt term, men jag försökte använda så många traditionella orkesterinstrument som möjligt. Orkestern är ett väletablerat format, men det fortsätter att utvecklas. Jag tror att det är den ständiga ansträngningen som har format dess historia och hållit dess briljans vid liv. Min orkestrering är ganska okonventionell, men jag försökte packa den med mina ideal och förhoppningar för orkestern. Den respekten har inte försvunnit. Personligen föredrar jag orkesterljud utan synthesizers och utan att förlita mig på tung mixning.

Finns det ögonblick i dina Final Fantasy Tactics- eller Final Fantasy XII-scores som du alltid har känt begränsades av den tidens hårdvara och som ett live-orkesterframträdande äntligen låter dig förverkliga fullt ut?

När jag arbetade med spelhårdvara var det den färdiga formen för mig, och jag strävade efter att uppnå något som liveinstrument inte kunde återskapa. Det gjorde det förstås extremt svårt att framföra de här styckena live som de var. Men framförandeteknikerna har fortsatt att förbättras, och ännu viktigare är att fler musiker som älskar spel nu är villiga att ta sig an dessa utmaningar. Jag är verkligen tacksam för det.

Rock, kod och orkester - den långvariga debatten har lagts till handlingarna

Du började med att bygga dina egna ljuddrivrutiner innan du komponerade. Du var i princip en programmerare först. Hur mycket formar den tekniska grunden fortfarande ditt sätt att tänka på musik, särskilt när det gäller att anpassa den för liveframträdanden?

Jag var en mattenörd, men ärligt talat så hjälpte inte ett matematiskt förhållningssätt min musik. Det kan till och med ha varit skadligt. (Skrattar) Lyckligtvis insåg jag det tidigt, så jag gjorde det till en regel att undvika logiska resonemang när det gäller musik. I stället lärde jag mig att förlita mig på mina sinnen och bygga upp intuition genom erfarenhet, samtidigt som jag utforskade olika sätt att skapa överraskningar. Liveframträdanden är rena känslor. Det är motsatsen till logik. Men det finns punkter där de möts, och jag har sett många nya tolkningar växa fram ur den skärningspunkten. Det finns så mycket att lära av liveframträdanden.

Dina största uttalade influenser är YMO, Kraftwerk och progressiva rockband som Emerson, Lake and Palmer och tidiga Genesis. Ändå är dina spelmusik nästan helt och hållet orkestral. Hur förenar du dessa två saker, och finns något av det elektroniska DNA:t kvar i Final Fantasy Tactics och Final Fantasy XII?

Ja, självklart. Det finns definitivt där. FFT är rock! Tuba och trombon fungerar som en bastrumma, med andra instrument som tar på sig rollerna som snare och hi-hat. Gitarrliknande rytmer väver sig igenom och driver melodin, och det finns till och med en känsla av sång. Även om jag använder mig av styrkorna hos orkesterinstrument finns det i grunden en bandstruktur under. Det finns till och med mekaniska, technoliknande beats från tidig elektronisk musik där också! (skrattar)

Du grundade Basiscape för att ge dig själv mer kreativ frihet. Hur har det förändrat ditt sätt att skriva att driva den studion?

Ärligt talat, jag startade företaget i hopp om att det skulle göra saker och ting enklare, men det visade sig vara ganska krävande (skratt). Att kunna dela upp arbetet innebar dock att jag kunde lära mig av människor med helt olika stilar. Det har varit otroligt värdefullt. Det handlar inte bara om teknik. Mångfald i tankesätt är verkligen viktigt.

Uppträder live

Spelmusik är utformad för att loopa, svara och andas på olika sätt beroende på vad spelaren gör. När man anpassar det till en orkester, vad måste förändras och vad måste man kämpa för att behålla?

Det här gäller inte bara orkestrar, utan när vi skapar soundtracks försöker vi skriva musik på ett sätt som drar nytta av dess inneboende styrkor. Det innebär att styra känslor över en lång tidsperiod och framkalla en universell känsla av drama hos lyssnaren. Orkesterljud, i synnerhet, har inga onödiga utsmyckningar samtidigt som det erbjuder ett brett spektrum av färger och dynamik, vilket gör det till ett idealiskt medium för det ändamålet.

Mat, som ordförande för stiftelsen, har du ett strategiskt perspektiv. Final Fantasy har en global fanbase som är djupt fäst vid dess musik. Hur tänker du när du programmerar för en publik som redan har en personlig relation till dessa noter innan de ens sätter sig ner?

Jag älskar att vår konsertpublik har en så stark känslomässig koppling till den musik vi presenterar. Å ena sidan ger det en enorm tillfredsställelse. Man kan se dessa känslor live under framförandet. Å andra sidan kommer denna känslomässiga laddning med ett stort ansvar. Det låter kanske konstigt, men under repetitionerna är jag som mest fokuserad på själva musiken. Under konserten älskar jag dock att diskret kasta en blick på publiken och deras fokuserade, känslofyllda ansikten.

När det gäller Final Fantasy-serien är det särskilt uttalat. Musiken står en klass över även i den redan känslomässiga värld som videospelmusik utgör när det gäller att få kontakt med publiken. Det innebär att man har att göra med lyssnare som har specifika förväntningar, kan materialet utantill och har starka minnen knutna till det. Att producera en sådan konsert kräver minutiös omsorg och uppmärksamhet på varje detalj.

"Dess musik står en klass över även i den redan känslomässiga värld som videospelmusik utgör." - Mat Pawlak

Sakimoto, du har deltagit i liveframträdanden av dina verk tidigare, på Distant Worlds och på Hoshirabe Orchestra-konserten i Tokyo. Känns det som att lyssna på något bekant när en orkester spelar musik som du har skrivit, eller blir det något nytt varje gång?

Det känns ofta nytt och mycket stimulerande. Tolkningarna kan skilja sig från vad jag ursprungligen avsåg, men det beror på att arrangörerna ansåg att dessa val var nödvändiga. Jag lär mig mycket av att höra det.

Vad inspirerar dig när du hör dina egna verk framföras live inför publik?

Att lyssna på min egen musik kan kännas lite oroande, men att se publiken njuta av den och att själv få ta del av den energin är otroligt skönt. Det ger mig mod att fortsätta framåt. Att kunna få styrka på det sättet är verkligen en välsignelse.

Färgerna av Harmony

Konserten har titeln "The Colors of Harmony". Vad betyder den frasen för dig personligen i samband med en karriär som spänner över taktiska RPG-spel, fantasy-epos, Vanillawares målande världar och anime?

Jag kom inte på titeln, men den uttrycker perfekt den värld som jag har strävat efter, vilket gör mig väldigt glad. Jag hoppas att folk tycker om temana i varje spel och musiken som ger dem liv.

Mat och Marta, The Colors of Harmony fokuserar på Sakimotos arbete specifikt, snarare än på den bredare Final Fantasy -katalogen. För Final Fantasy -fans som kanske inte känner till hans Vanillaware-titlar som 13 Sentinels eller Odin Sphere, vad vill du att de ska ta med sig från att höra den musiken tillsammans med FF-musiken som de redan älskar?

Vi gör sällan så omfattande konserter med tvärsnitt. Oftare är de monografiska, med fokus på ett spel eller en serie. I det här fallet gör vi en översikt över kompositörens samlade verk. Det är den röda tråden för hela partituret. Stilistiskt kan soundtracken ibland verka olika, men i slutändan förenas de av en enda skapares konstnärliga anda. Vi trodde att det här skulle bli en spännande upplevelse. Det kommer definitivt att finnas fans på konserten som känner till Hitoshi Sakimotos hela produktion. För dem kommer det att bli en riktig festmåltid. Det kommer också att finnas människor som kommer enbart för det omfattande FF-segmentet och som inte känner till hans andra titlar. Vi hoppas att de kommer att upptäcka den okända sidan av den japanske mästarens kreativitet.

"När konstnärer samarbetar fritt kan de trolla fram något verkligt magiskt." - Marta Pawlak

Marta, din roll på GMF handlar om konsertlokaler och logistiken för att få dessa konserter att faktiskt bli av. Vad krävs för att få en tonsättare som Sakimoto till en scen som Fairfield Halls, och vad är det som publiken aldrig får se under en sådan här kväll?

Att bjuda in en kompositör kräver minutiös planering och samarbete mellan många team, samt att man tar hänsyn till oväntade händelser och är flexibel nog att hantera oväntade vändningar. Först presenterar vi festivalens vision för kompositören och spelutvecklaren och övertygar dem om konsertens idé.

När vi har tagit oss igenom de formella godkännandena och byråkratin dyker vi ner i den konstnärliga biten: vi anlitar orkesterledare i toppklass för att skapa arrangemang som passar för en konsert med övertygande dramaturgi. Soundtracks till spel omfattar ofta flera timmars musik, så vi gör det till en engagerande 1-1,5-timmarskonsert som fängslar lyssnarna. Samtidigt måste vi ta hand om logistiken, från att fastställa konsertdatumet till att organisera resor och boende för artisten och hans team. Vi måste ta hänsyn till en hel del logistikrelaterade risker, t.ex. att det inte inträffar oförutsedda omständigheter som hindrar kompositören från att anlända.

Publiken får aldrig se vad som händer bakom kulisserna, den enorma mängden e-post, möten med kompositören och spelutvecklaren eller justeringar av scheman. Det är många månader av förberedelser och att lösa plötsliga problem som uppstår.

Men den verkliga grädden på moset? Att skapa en välkomnande atmosfär så att alla på scenen känner sig bekväma. När artister samarbetar fritt kan de trolla fram något verkligt magiskt. I slutändan innebär framgång en nöjd publik och glada artister, som alla njuter av den slutliga effekten.